秀到博物馆的时装大片
时间：2020-04-02 05:23:31 来源：千叶帆 本文已影响人
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时尚易逝，风格永存。
—伊夫-圣·罗兰（Yves Saint Laurent）
6月14日，意大利著名奢侈品牌萨瓦托·菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）在巴黎卢浮宫德农馆拱顶廊柱下发布了2013春度假系列菲拉格慕女装秀，菲拉格慕品牌的奢华风范与卢浮宫的古典品味相映成趣，这是卢浮宫首次在馆内举办时装秀。在这之前，卢浮宫也曾举办过时装发布会，比如路易·威登，但只是在卢浮宫的庭苑举行，菲拉格慕首次将Ｔ台搭建在卢浮宫内，这是历史近900年的古代宫殿首开先河。在长达120米的T台上，模特们鱼贯登场，展示设计师马西米兰诺·乔尼蒂（Massimiliano Giornetti）2013年早春系列新品。
菲拉格慕之所以能入驻卢浮宫，举办这次奢侈且轰动的时装展，不仅因为菲拉格慕是全球举足轻重、最富盛名的知名品牌，另一重要原因是该品牌是卢浮宫正在举办的“《圣安娜》，达芬奇最后的杰作”（Saint Anne, Leonardo Da Vinci’s Ultimate Masterpiece）这一展览的独家赞助商。该展是为了庆祝达芬奇油画作品《圣母、圣子与圣安娜》（The Virgin and Child with Saint Anne）修复完工而举行的，到目前为止，展览的参观人数已逾20万，是卢浮宫近年来最具影响力的展览之一。
菲拉格慕与卢浮宫联姻，举办画展的同时，也将时装大片演绎到了卢浮宫这座历史悠久的艺术殿堂内，艺术与时尚的结合，再次成为2012年的盛典之一，但这也并非独此一家，欧美各大博物馆的时装展在近年来不断登场。为何博物馆频频上演时装大片？博物馆的时装秀有什么特色？为博物馆和时装品牌带来怎样的效应？时装是艺术品吗？如何看待时装展？
跨越时空的默契：夏帕瑞丽与普拉达
由纽约大都会博物馆服装部策划的展览“夏帕瑞丽与普拉达：不可能的对话”（Schiaparelli and Prada：Impossible Conversations）在5月拉开序幕，展览将艾尔萨·夏帕瑞丽（Elsa Schiaparelli）和缪西娅·普拉达（Miuccia Prada）两位意大利不同时代的重要女设计师联系在一起，上演一场“不可能的对话”。一位是超现实主义运动的顶级设计师，而另一位则是当代艺术的超级赞助人。大都会博物馆希望这次展出能延续2011年时装展“亚历山大·麦昆：野性之美”（Alexander McQueen: Savage Beauty）带来的巨大成功。在去年夏天，这一展览吸引了66万名参观者，成为该馆参观人数最多的展览之一。
“夏帕瑞丽与普拉达：不可能的对话”展出了夏帕瑞丽在19世纪20年代晚期至50年代早期设计的近百件（套）服装以及40多件饰品，普拉达从19世纪80年代至今主要代表性作品。这些展品不仅包括大都会博物馆服装部的藏品和普拉达工作室作出的服装，还包括其他机构及私人藏家收藏的作品。
20世纪30年代，Miguel Covarrubias曾为《名利场》（Vanity Fair）做过“不可能的采访”（Impossible Interviews）这一节目，受此影响，该展精心策划了这场“对话”，通过解读两位女设计师最具创造力的服装作品，向参观者全面展示了两个时代传奇女性的神奇之作。上世纪30年代，夏帕瑞丽的名字曾让自负的时装女王香奈儿也刮目相看，夏帕瑞丽学习过哲学、油画及雕塑，遍游欧洲各国，艺术家的修养与意大利人的性格，为当时巴黎时装界注入了清新的现代艺术魅力。她与杜尚等前卫艺术家们交往甚厚，经常将超现实主义、未来主义画家们的作品变为自己服装的装饰。完美的服装与Baz Luhrmann执导的夏帕瑞丽和普拉达的对话视频同步进行，展览集中于展示两位不同时代的女设计师是如何以各自不同的方式，在同一题材下设计出不同的作品。
大师中的大师：巴黎世家
与此同时，旧金山de Young Museum博物馆也在举办一场名为“巴黎世家与西班牙”（Balenciaga and Spain）的时装展。这场展出最早是在西班牙索菲娅王后学会举办，移师美国之后，展览增加了在美国收藏的部分藏品，著名时装编辑、策展人和时装收藏家哈密什·博尔斯（Hamish Bowles）策划了这次展出，西班牙王后索菲娅亲临纽约，主持开幕式。
“巴黎世家与西班牙”深层次地分析了大师克里斯托巴尔·巴伦西亚加（Cristóbal Balenciaga）的高级女装对西班牙深远持续的影响。其设计的作品受到西班牙文化、历史和传统的影响。在这次展出之前，多家博物馆和著名设计室都曾展出过巴黎世家的作品，博尔斯以一个新的角度重新审视大师作品，展览一方面全面展示了巴黎世家服装中不断使用的题材，又从6个部分来组织这次展出，主题分别是：西班牙艺术、宗教服装、西班牙王室、宗教生活和仪式、斗牛士和舞者。展出的作品分别来自于法国、西班牙和美国各大博物馆和私人收藏家之手，其中包括旧金山美术馆的藏品。
西班牙马德里国家美术馆有一幅戈雅1793至1794年创作的油画《Dona Tadea Arias》，画中女子身着粉红衬里的白色纱裙。该作直接或间接地启发了巴伦西亚加，在1948年秋冬季的服装中，他就设计了一条粉红衬里黑色蕾丝裙，但巴伦西亚加删繁就简，将服装设计为非常舒适、易于穿着的鸡尾酒裙。
西班牙公主裙也是巴伦西亚加最爱的题材之一。在巴黎卢浮宫收藏了一件委拉斯贵支的作品《年幼的玛格丽特（又名《宫娥》）》（Infanta Margarita），这是西班牙公主玛格丽特童年时期的画像。巴伦西亚加在其1939年冬季系列中，就根据西班牙公主裙的典范，设计出了一袭黑色天鹅绒滚边的象牙色丝绸晚装长裙，作品不仅充满雕塑感，更是现代简约主义的先锋之作，影响至今。
时尚顽童的狂想世界：让·保罗·高缇耶
2011年，加拿大蒙特利尔美术馆（the Montreal Museum of Fine Arts）举办“让·保罗·高缇耶的时尚世界：从街头到T台”（The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From the Sidewalk to the Catwalk）时装展，这一展览于今年移师美国拉斯耶美术馆（Dallas Museum of Art）。
“高缇耶的时尚世界：从街头到T台”是继2007年高缇耶巴黎“LE DEFILE”主题展之后，第一次全面展示设计师作品的回顾展，展出了高缇耶自1976年到2010年间的设计作品，其中包括精选的140套服装和一些从未曝光的珍贵服装设计手稿。高缇耶就如时装设计界的达利一样，通常被人称为“超现实主义的时尚顽童”。其每一次举办的时装秀都带有惊世骇俗的气势，具有超越世间的狂野、离奇、荒诞，反传统、反偶像崇拜、反巴黎式的做作⋯⋯让人耳目一新，每一次表演都会成为时尚圈最受关注的景观和最热门的话题。
高缇耶擅长用各种手法对服装进行夸张、破坏和重组，并且融合民族、前卫、未来的诸多元素，他善于将通俗的平民化衣服融入高级时装设计中，或者将贵族式的礼服融入下层社会穿着的水手服中，从朋克到跳蚤市场，从法国大革命的卖花女再到如今的娼妓，以及东方情节和异域文化，都成为其创作灵感的来源。正如高缇耶所表述的那样，“一切的不可能在我手下都成为可能，什么东西我都能设计，别想在我的作品中寻找模式，那是不可能的。”
这次回顾展览，除了高缇耶35年设计生涯中这些经典的时尚作品之外，还展示了高缇耶的一些手稿以及作品的摄影集，展览还采用独特的3D技术，通过投影设备，在展示模特脸上投射下生动的表情。高缇耶一直不喜欢博物馆中的回顾展，因为他相信，服装只有在运动中才能感受其魅力。在回顾展中，所有的服装展示也尽量避免静态的陈设，而是到相关的服装秀、音乐会、舞蹈表演片段，以及他参与服装设计的影片，比如Luc Besson的《第五元素》（The Fifth Element）、Peter Greenaway的《厨师、窃贼、妻子与情人》（The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover）等影片就在展出现场放映。
两个男人的故事：路易·威登与马克·雅克布
如果要对时尚品牌作一清单的话，路易·威登必不可缺，目前，在巴黎装饰博物馆（Les Arts Décoratifs）正在举行的展出“路易·威登与马克·雅克布”（Louis Vuitton - Marc Jacobs）全力阐释了这些具有历史的手工艺品具有的端庄和骄傲。路易·威登于1877年第一次确立样品，并申请专利，在巴黎大道发展至今，经过了130多年之后，几乎毫无变化。这一切都得益于其创立者路易·威登和至1997年就担任创意总监的马克·雅克布。
展览从其成立者最初作为一个“行李收拾人”（case-packer）的卑微生活开始，这一工作使他对每一个经手的旅行箱的螺丝钉、锁和每一个角落都非常熟悉，他形成了自己的知识，最终于1854年开了自己的店铺。到后来发展到让人迷幻的服装秀，路易·威登和马克·雅克布将LV打造成世界最为知名的品牌，2011年的年收入达到25亿欧元。虽然两个男人来自不同的世纪，但这次展览却在探究他们究竟是具有更多共同点还是差异性？
在展览的第一个厅里有一个细微的线索：两个男人的肖像并排挂在一起，他们都是在相似的年纪留下了相似的络腮胡。“虽然他们都不会承认，但两人都是幻想家”，巴黎装饰博物馆馆长Pamela Golbin如是说，“但他们在时尚史具有决定性的时刻上，他们都具有几乎相同的故事。”
透过对这一品牌起到重要作用的两个人物，展览深入地探讨了两个划时代的时装发展的不同轨迹：身处19世纪工业化时期，路易·威登面临的是工业化以及铁路旅行频率变大，对行李箱的需求；而马克·雅克布面对的则是20世纪90年代市场对于营销要求的改变，他见证了20世纪时装全球化的历程；“他第一次使得时尚制作实际上成为全球化”Golbin如是说。二者都为不同年代的改革先锋，于各自的创作领域中，巧妙掌握及结合文化及社会潮流元素，为当代时尚史写下重要篇章。
走在服装里，穿行在画中
除此之外，洛杉矶当代美术馆正在举办一场名为“罗达特：事关身份”（Rodarte: States of Matter）的展览。至20世纪90年代，大都会博物馆服装部就推出过一些名噪一时的时装大展，其中包括2001年的“杰奎琳·肯尼迪：在白宫的岁月”（Jacqueline Kennedy: The White House Years），2008年的“超级英雄：时装和幻想”（Superheroes: Fashion and Fantasy）。2012年，在其他美术馆或者博物馆，也有各色时装展正在或者即将上演。
“我对时尚了解非常少”丹佛艺术博物馆馆长克里斯托弗·亨瑞奇（Christoph Heiich）坦言，但这也不能阻止他在博物馆举办伊夫-圣·罗兰（Yves Saint Laurent）作品回顾展的计划，这次展览最早是2010年在巴黎市立美术馆举行，丹佛艺术博物馆的这次展出于见年3月举行。像很多博物馆馆长一样，亨瑞奇承认，他被这位时装设计大师的作品震撼了，至少，在这次展览中，他愿意撤出博物馆中的绘画和雕塑作品，为这些舞会袍和鸡尾酒晚装腾出一块土地。“当我在巴黎见到伊夫-圣·罗兰的作品展时，我真的被作品的色彩、质感惊呆了，这些服装的剪裁极为简单，却产生了极其优雅的效果，当我穿行在这个展场时，我感觉就像走进一幅画中。”
但是，时装是艺术吗？这个还存在于策展人及艺术批评家脑中的问题，似乎已经得到回答。就像摄影和电影一样，这些艺术形式也是在后来才被美术馆和博物馆接受的。时装，或者至少是某些类型的女性时装新式样，已经在博物馆的展览安排计划中呈现出一种具有重要性的地位。设计师的创新思想不断从T台上走向奢侈的美术馆展览展台上。大众对此反应犹如购物狂到巴尼斯纽约精品店的热情一样。在博物馆的时装展会营造出一种氛围，设立某个背景，给出一种叙事感和故事感，使得这些衣服都活过来了。
而Vogue的特约编辑，美国全美超级模特新秀大赛（Next Top Model）的特邀评判安德烈·莱昂·塔利（André Leon Talley）表示，“一场时装秀与一次博物馆的时装展有很大的不同，一场时装秀是飞逝且短暂的，时装秀的目的仅仅是出售服装的渠道之一，但一次博物馆的展出目的不在于出售服装，我们是在这里庆贺服装、欣赏服装，一次博物馆的展出能够让你在艺术和时尚之间找到一种联系的能力，而这种桥接在你参加一场时装秀时，你是不可能直接看到、感受到的。”
艺术的思考 设计的精致
纽约时装技术学院时尚博物馆馆长瓦雷里·斯蒂尔（Valerie Steele）认为，“人们对时尚的兴趣越来越浓厚，对将服装带到博物馆展出的接受度越来越高。”斯蒂尔就是时装展览这一领域的先驱，去年，他耗费巨大的精力筹备著名服装设计师达芙妮·吉尼斯（Daphne Guinness）的展览，他还被诸多设计师授权制作服装，其中最著名的就是亚历山大·麦昆。“博物馆仅仅只是展现服装的另一种媒介，你能在网上看到服装，你可以去一场服装秀，你能在服装店里看到，而且你也能在大街上看到，但是在一场博物馆的服装展中，他稍微有点抽象，将不同内涵的服装聚集在一起，带给你一种完全不同的观念。”
至于什么促使了今天时装展览的流行，亨瑞奇表示，“服装是360度的感官体验，关于美的感受非常直接。”比如伊夫-圣·罗兰的展出，丹佛艺术博物馆就展出了设计师的两百多件服装，设计师经常受到艺术的启迪，我们可以在他短小的鸡尾酒服装看到蒙德里安作品的影子，他在1965年秋冬时装发布会上的设计服装可以看出。“人们真的非常享受这种奇观，与此同时，他们真的会非常认真地观看这些服装是怎么设计完成、制作的，我能想象得到，在欣赏一件服装和欣赏一件雕塑作品之间必定有很多相似的方法。”
就大都会博物馆的麦昆展而言，展览的策展人安德鲁·波顿（Andrew Bolton）回忆，“这此展览变为一种我从来没有想到的现象，当观众一旦来到这场展出，他们就会对这些服装有所反应，因为他们都是非同一般的艺术品，但我从未想到这次展出居然能打动这么多观众的心。”他强调，“他们吸引了很多观众，他们理解了视觉文化的复杂性，一种存在于艺术和时尚之间的共性。” 波顿指出，很多麦昆设计的服装，比如那件完全由蛏壳（razor-clam shells）作材料完成的裙子，完全可以当作一件装置作品。
现在，博物馆和美术馆的负责人比以往任何时候都迫切寻找“像艺术家那样思考”的时装设计师。在某些情况下，将时装展引入博物馆仅仅是时装公司的一种商业操作，但在其他情况下，它拓展了人们对艺术理解的传统概念。就如波顿所言，“我对时尚没兴趣，我对那些通过拓展艺术媒介，从而扩大艺术定义的那些人感兴趣。”
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